Den politiske tumulten i Tyskland på 1920-tallet bidro til å skape en ny sjanger av filmskapere: ekspresjonistene i Weimar kino. Europas nystartede filmindustri ble ødelagt av første verdenskrig, noe som tillot USA å dominere filmproduksjonen etter krigen. Men amerikanske filmer etter krigen var mer opptatt av volum og profitt enn av kunst eller stil. Hollywood spilte ut rundt 800 filmer i året gjennom 1920-tallet, for det meste lette funksjoner som slapstick-komedier, romantiske dramaer eller eventyrlige eventyrfilmer. De var enormt populære blant filmglade publikum, men de gjorde lite for å teste grensene til mediet.
Filmskapere i Tyskland tok en annen vei, stort sett av nødvendighet. Weimar-Tysklands politiske og sosiale ustabilitet, for ikke å nevne dens økonomiske mangel, hadde en dyp innvirkning på den tyske kulturen etter krigen. En ny kulturell bevegelse dukket opp, senere beskrevet som tysk ekspresjonisme. Det var tydeligst i kinoen, som kom seg raskt på 1920-tallet, da vanlige tyskere søkte eskapisme og billig underholdning. Uten råd til de enorme kulissene, overdådige kostymene og omfattende rekvisittene til Hollywood-filmer, lette tyske filmskapere etter nye måter å formidle atmosfære, stemning og følelser på. De utforsket også mye mørkere temaer enn Hollywood: kriminalitet, umoral, sosialt forfall og de destruktive kreftene til penger og teknologi. Tysk ekspresjonisme fødte to nye filmatiske sjangere: den gotiske skrekkfilmen og film noir (kriminelle thrillere som utforsker de mørkere aspektene ved menneskelig atferd).
Noen av de mest kjente tyske ekspresjonistiske filmene var:
Cabinet of Doctor Caligari (1920). En av de tidligste skrekkfilmene i historien, Skapet til doktor Caligari forteller om en utøvende mystiker og hans scenesidekick, en søvngjenger som kan forutsi fremtiden. Filmen brukte mye lys, skygge og ekspresjonistiske kunstneriske stiler i sine sett og bakgrunner. Den inneholdt også en "vri"-avslutning, kanskje den første i filmhistorien, der hele historien ble avslørt for å være vrangforestillingen til en mentalpasient.
Nosferatu (1922). Undertittel Eine Symphonie des Grauens ('En symfoni av terror'), Nosferatu var den første filmen av en sjanger som i dag er ganske vanlig: vampyrfilmen. Nosferatu er tilsynelatende en gjenfortelling av Bram Stokers Dracula, selv om karakterenes navn ble endret (regissør FW Murnau eide ikke rettighetene). Fotografert på et begrenset budsjett med bare ett kamera, Nosferatu bruker lys, skygge, tid, bevegelse og spenning for å skildre skrekk, i stedet for komplekse sett eller spesialeffekter. Hovedpersonen, vampyren Orlok, vises som en frastøtende rottelignende skapning, snarere enn de veltalende aristokratiske vampyrene til fremtidige filmer.
Fantom (1922). Nok en FW Murnau-film, Phantom var ikke så vellykket eller så kjent som Nosferatu. i Phantom, er hovedpersonen Lorenz' liv ugjenkallelig forandret av glimtet av en kvinne og det destruktive lokket av penger. Lorenz begynner å lete etter kvinnen, et kurs som fører til store utgifter, gjeld, kriminalitet og drap. Fortalt i flashback, Phantom bruker ekspresjonistiske teknikker (som dobbelteksponering) for å formidle Lorenz sin forvirring og kollapsende følelser. I den mest minneverdige scenen ser det ut til at bygninger vipper inn på Lorenz, kveler ham og truer med å velte.
Den siste latteren (1924). En annen Murnau-film, hovedpersonen til The Last Laugh er en dørvakt på Atlantic Hotel, som etter mange års tjeneste degraderes til den underlige rollen som badevakt. Han er flau over tapet av en prestisjetung stilling og skjuler nyhetene for familie og venner. De finner imidlertid ut av det og utsetter ham for latterliggjøring. Murnau gjorde kreativ bruk av kameravinkler og bevegelse i Den siste latteren. Tidlige bilder er filmet fra lave perspektiver, noe som får både hotellet og dørvakten til å virke store og viktige. Senere er kameraet montert på en huske og ser ut til å sveve gjennom luften. Historien er også fortalt helt uten tittelkort, første gang dette ble gjort i en stumfilm.
Metropolis (1927). Sannsynligvis den mest kjente tyske ekspresjonistiske filmen, Metropolis er delvis science fiction og delvis sosial allegori. Den skildrer et fremtidig samfunn der innbyggerne har blitt delt inn i to distinkte klasser: eliten, som nyter fritidslivet i solen, og arbeiderne, som sliter monotont under bakken. Handlingen sentrerer seg om to kvinner: den medfølende Maria, som ønsker å forsone arbeiderne med den herskende klassen; og roboten Hel, som er programmert til å ødelegge byen. Metropolis var et utrolig ambisiøst prosjekt for sin tid. Det kostet rundt fem millioner merker, det tok flere måneder å filme og sysselsatte opptil 300 statister. Det viste seg upopulært blant filmgjengere, men ble kritisk applaudert og regnes som en forløper for moderne science-fiction-filmer.
M (1931). Også regissert av Fritz Lang, M hadde en ekstraordinær historie for sin tid. Hans Beckert (spilt av Peter Lorre) er en pedofil og barnemorder, forfulgt av både politi og Berlins underverden. Han blir tatt først av byens kjeltringer og får en falsk rettssak. Når han konfronterer fangstmennene sine, forklarer Beckert hva som driver ham til å begå sine forbrytelser, og spør: "Hvem vet hvordan det er å være meg?" M ikke bare gjort bruk av ekspresjonistiske stiler, det introduserte også filmatiske teknikker som fortsatt brukes i krim i dag.
Tysk ekspresjonistisk kino ville påvirke filmskaping over hele verden - inkludert i USA. I 1923 produserte Hollywoods Universal Studios sin første anerkjente skrekkfilm, Pukkelryggen fra Notre Dame, med Lon Chaney som Quasimodo. Regissøren, Wallace Worsley, hadde tidligere spilt ut dusinvis av dramaer og lette komedier – men han kom til å beundre og låne mye fra tyske regissører, spesielt Murnau. Fremtidige Hollywood-filmer brukte også ekspresjonistiske temaer og teknikker, inkludert Phantom of the Opera (1925) Monsteret (1925) og vampyrfilmene London etter midnatt (1927) og Dracula (1931). Noen tyske regissører krysset Atlanterhavet og markerte seg i Hollywood. Paul Leni reiste til USA i 1927 på invitasjon fra Universal Studios, som han laget flere filmer for. Den beste av disse, The Cat og Canary (1927) kombinerte den høye kontrasten og stilen til tysk ekspresjonisme med amerikanske filmkonvensjoner. Fritz Lang, direktøren for Metropolisflyktet fra Tyskland i 1934 (Lang var delvis jødisk og noen av filmene hans var ikke populære blant nazihierarkiet). Etter hvert landet han i Hollywood, hvor han ble amerikansk statsborger og regisserte ytterligere 21 filmer.
1. De sosiale forstyrrelsene og økonomiske mangelene i Weimar ga opphav til ekspresjonisme i tysk filmskaping.
2. Regissører, som ikke hadde råd til store rollebesetninger eller sett, så etter forskjellige teknikker for å gjengi stil, karakter og følelser.
3. Ekspresjonistiske filmskapere var opptatt av mørkere historielinjer og temaer, inkludert skrekk og krim.
4. Ekspresjonistiske regissører manipulerte også tekniske komponenter, som lys, kontrast, kameravinkler og bevegelse.
5. Disse regissørene og innovasjonene deres kom til å påvirke de velstående og mer produktive filmstudioene i Hollywood.
© Alpha History 2014. Innhold på denne siden kan ikke publiseres eller distribueres uten tillatelse. For mer informasjon, vennligst se vår Vilkår for bruk.
Denne siden ble skrevet av Jennifer Llewellyn, Jim Southey og Steve Thompson. For å referere til denne siden, bruk følgende sitasjon:
J. Llewellyn et al, "Weimar cinema", Alpha History, 2014, åpnet [dagens dato], http://alphahistory.com/weimarrepublic/weimar-cinema/.